第十一届全国优秀舞蹈节目展演的每一场演出都给我带来兴奋，带来思考，感慨我们国家真的是舞蹈大国。同时我们也要看到，如果没有政府的重视，不会有这样的事业。前不久我在美国呆了5个月，很多华裔舞蹈家很艰苦，当地政府不给资金支持，他们在自己的车库或者租一个教室，靠教学生来生存。我们国家出台扶持政策，设立专项基金来扶持艺术创作，舞蹈的生态环境太好了。我们应该去讴歌时代、讴歌人民，这是发自我内心的感受。我作为一个舞蹈老兵，希望年轻人在这么好的条件下多出作品。

今天我想谈谈舞蹈形象的重要性。舞蹈节目虽然不长，但需要从头到尾的把控，也许比做一个舞剧更难，因为需要在五六分钟之内把主题和人物形象塑造得非常准。舞蹈形象不是一个动作，也不是一串语汇，而是对一个民族的生活的熟悉，对一个民族的情感的观察，有了体验，才能准确的提炼形象。民族民间舞造势很容易，但是要真正塑造一个经典形象是不容易的。我们可以回想《鸿雁》，闭上眼睛就看到鸿雁的形象，这就是创造的，不是抄袭的，是从生活中提炼的。杨丽萍的孔雀形象，在教材里早就有了，但是杨丽萍把它做到了极致，让孔雀的头会动，塑造了一个非常经典的形象。所以我认为舞蹈形象是很重要的。编导要在生活中寻找舞蹈形象，提炼主题和动作。

如果没有全国舞蹈比赛，可能就成就不了我以及我们那一批舞蹈编导，正是由于这个平台让我从不清醒到逐渐清醒，从不会到逐渐会，到今天还依然在从事舞蹈工作。

 《鸡毛信》是一个好题材。舞蹈语汇好，用一个一般人不敢用的动作作为主题动作，表现在当时环境中整个民族被压抑的状态，随之进行发展，把观众吸引住了。它的情节结构好，很多情节是情理之中、意料之外的，到最后一只血手从人群中伸出来将鸡毛信传递给一个男孩，让我们看到了中华民族的脊梁。作为常年做这类作品的人，我对这个作品非常喜欢。

《悠然情韵》的演员已经42岁，但跳得很好，干干净净。全国优秀舞蹈节目展演要出作品，也要出人才。如果每一个作品的演员都像这个演员这样，就有味道了，因为她是实实在在用心在跳舞的。国标舞《黄河》我也很喜欢，用国际化的舞蹈语言来演绎中国名曲，这个想法本身就很大胆。

我认为目前缺少关于中国舞蹈发展设计的研讨平台，我们需要在这个变革的时代，根据现实的情况，结合中国的历史，用国际先进理念和长远眼光对中国舞蹈事业发展进行整体规划设计，包括发展方向的设定、政策制度的议定、构架模式的制定、专业平台的打造、人才发展的规划、运行模式的管理等等。从制度上优化每一个环节的运转，形成良性循环，推动中国舞蹈事业的整体发展。

反思是必要的，也是必须的，但我们也要包容。这两天都在谈同质化的问题，甚至有严厉的批评，我认为出现模仿是非常正常的一件事，我们尽量少一点质疑，从问题根源着手思考对策才是真正解决问题的办法。

最后提三点建议：第一，转变传统思维观念，与社会发展接轨。第二，改变活动的运作模式，与专业团队合作。第三，盘活优质资源，与人民共享成果。

舞蹈编创者应该有更高级的价值判断，一定要做真正的自己，可以讲一个道理，或者讲一个题目，也可以讲一段人和人之间的情感，可以塑造人物或者动物的形象。以作品为例，《悠然情韵》打破了花鼓灯原来的动作连接，音乐用的是《渔舟唱晚》，追求的不是保留花鼓灯的民间气质，而是带有花鼓灯元素的中国风的舞蹈。变的是形，留的是神。

作品《父子》已经集聚了舞蹈和身体的审美，比如说它用的自行车，通过自行车四个不同的变向来传递出父和子的关系，这就是很高的手段，在自行车的不同空间调度上，产生出所有的构图，会感觉充满了小情趣，但是我觉得有一点不足，当车子调到背对观众的时候，父子的矛盾到了升级状态，父亲一个巴掌上去的时候，我就感觉这个作品突然低了。一个巴掌的张力真的不足以表明这对父子当时的关系，其实还可以有更好的手法。

昨天我看到很多作品在编舞上很真诚，不管手段高低，或者是编得好与坏，我有一种很真诚的感受。作品《寻》，虽说有些问题，但是很有想法。我认为可贵的是编导努力在作品中寻找解决方法，这种作品一定要鼓励。这个作品使用了一些道具，这些道具用在这个题材里觉得很舒服，虽然变化、调度不是那么娴熟，还显得匆忙，但是它有追求，像一个作品而不是小品。不是说讲故事就是作品，但要有一个完整的表达，这个表达是有头有尾的，有重要的观点和主题，才具备一个作品的属性，不然就会显得有缺失感。

《爱·年轮》的基本思路还是清楚的，在手段上或处理方式上显得幼稚一点。《父子》使用自行车作为道具，很危险，但还是用了，勇气可嘉。父子感情的表达还是不错的，在动作语汇的提炼上还要往前再走一步，现在是行为偏多，更进一步就可以把生活的行为变成舞蹈动作语言，这一步一定要迈过去，否则会感觉到散。后半部分的一巴掌确实有点牵强，是不是两父子一定要不开心，这个值得商榷。

这3天看了39个节目，学习到很多，最想说的是纯粹。关于编导在创作上选择的纯粹性，一是题材的选择，二是视角的选择，三是表现形式的选择。只有编导清晰知道自己的选择，清晰认识到自己要什么、不要什么，才能够做到单纯、极致，才能够做出精致的作品。选择是确定你要说什么，选择了要说什么之后再选择用什么方式去驾驭作品。编导的一个很重要的能力就是把握节奏。我说的节奏是广义的，一个是结构的铺排，有些作品可能是娓娓道来的，发人深思的，有些是激情澎湃的，让人兴奋的；一个是肢体语言的空间占有，分横向和纵向。中国传统文化中的留白非常美妙，除了人的肢体在此时此刻存在的空间感，更高级的是看到肢体语言之后能够想象到肢体以外构造的空间环境。

这两天我把自己放在观众的角度上，反思为什么要进行创作。我觉得舞蹈是一种信仰。所以我特别想告诉创作者，台上的你都不尽兴，台下的我怎么感动，我们一定要做到纯粹。

《嬉戏——花》、《舞动的琴弦》是运用本地域的民间舞蹈语言创作的，从节目语汇以及民族情感上来说，体现了东北秧歌的火辣、热情，以及蒙古族骨血中崇拜英雄的豪迈气质，具有很强的个性。《嬉戏一花》作为一个教学剧目是成立的，具有很强的训练功能。但比较直观的感受是动作的堆砌。题材的选择也要考虑，最重要的是立意是否独特，意境是否高级。《舞动的琴弦》让我非常感动。这个作品没有为了表现阳刚而起舞，没有强迫观众，而是很注重琴和情的融合，抑扬顿挫用得非常好，越是先抑，后面的扬越显出雄壮之美、豪迈之美，值得学习。如果结构能够一气呵成，我感觉会更好。

艺术家都应该有自己的定力，应该坚持自己的东西。我看到一些民间舞仅仅是素材的堆砌，虽然好看，但都是借鉴别人的，这不是创作作品。只有通过理解，把素材转化为你自己的，这才是创作。

《悠然情韵》把传统的东西从具像的化为抽象的，给传统舞韵注入了新的内涵。《田埂地垄一片云》把具像的民间舞和比较实的素材虚化了，产生了意韵美。但编排得太满了，最后出现一片具象的云，画蛇添足。“女书”是七言的诗体，写在扇子上的，有一种女人的特殊韵味，但《女书·听》没有这种韵味，服装有点莫名其妙，立意比较模糊。素材要通过艺术家的智慧表达在舞台上，而不能直接搬上来。

舞蹈创作一直以来比较回避谈观念，尤其是现代舞，有了编舞技法之后，大家认为作品就出来了，没主题，先编动作。就像写文章遣词造句一样，总要先造一个句子，慢慢才能成为一个自然段，最后才能成为一个篇章结构，但是千万不要误认为遣词造句就等于篇章结构。在国际上参加比赛必跳《天鹅湖》，那是检验一个演员或者学生是否能够出道的前提，但到了自己创作的时候不能以此为标准。除了技术以外，我们要探讨创作本身到底应该由哪些元素构成，这些元素在具体的艺术和教学实践中是否完整形成了结构，如果没有构成，你的作品就是不能看的，就是小品。

    舞蹈编导应该有作家的思想。艺术家永远在创造，每一个新作品都是在挑战以往和挑战自我。观念对于创作来说是第一位的，独创性使你的意识不同于以往，不同于自己以前唯一认为可以有意义的东西。创作作品首先要确定观念层面的道是什么，用这个东西表达什么，其次是气的层面，用什么方法和手段实现你的道，如果实现不了，说明这中间有问题，一看这个作品“跑风漏气”了，这些缝隙就是你自己修炼过程中不完善的地方。

《黄河赋》一开场就有大红绸的运用，时而似滚滚的黄河水，激励着中华儿女奋勇向前，时而又像纤绳，拉动万众一心的大船，在高潮的时候众人舞动红绸，营造出黄河之水永远奔涌向前的气概。演员的呈现是成功的，但在编排上稍微单薄简单了一点。现在各个艺术院校的学生进入到中国舞蹈的主流表演队伍，他们共同的优点是充满了青春朝气，但编导为他们编排作品时要更加注重人物情感的表达，使表演尽可能贴近作品本身，避免组合化、动作化、单一化。舞蹈教育不仅要教技术，也要教如何用肢体语言表情达意。

双人舞《父子》引起我的情感共鸣。教育孩子、培养孩子健康成长是所有父亲共同面临的课题。这个作品有生活、有观察、有真感情，两个演员的表演也很精彩，特别是限定在一辆自行车上，无论是肢体传情达意，还是在自行车上的技巧设计，都有亮点。当然也有不足，如果编导紧紧抓住上自行车、下自行车这个细节再深挖、精挖，如果演员与自行车道具更巧妙地结合，把生活中的动作转化为舞蹈的呈现，如果结尾中儿子郑重地穿上父亲的衣服，郑重地摆正了自行车，郑重地摸着、看着父亲留给自己的自行车，开始自己人生的路程，可能会使这件作品更意味深长。

《黄河赋》以宏大叙事讲述了中华民族的情怀，《父子》又从小的视角关注家庭这个社会最小单元，两个作品都有自己的独特性，也具有了非常重要的艺术价值。

舞蹈创作中什么是恰当，看到一个好作品时觉得很多东西正好是不多不少、恰如其分，在技法和分寸的把握上都是这样，有些作品就觉得好像过了一点，这是火候，就像熬中药，熬过了或者熬得不够都不行。大家要坚持自己主体的东西，还要吸收很多优秀的东西，这是一个磨炼的过程。

《爱·年轮》选择了对现实生活的观照，非常值得鼓励，对于情感的把握、编导的技法都很不错，但是小细节不够精炼，就是把人的一生的状态叙述了一遍，结构稍微有一点不清晰。《鸡毛信》的编导在创作道路上一直坚持自己，磨炼到了一个比较纯熟的阶段。创作主旋律的作品要注意分寸，在这种作品中首先要看到人，其次再看别的东西。如果人都不真实，那就一定假。这个分寸在《鸡毛信》中把握得非常好，为了送信献出生命，这个事是曾经存在过的，内心的价值追求在某个特定情境中可能比生命更高，《鸡毛信》将这种立意把握得非常好。从具体手法来说，有三点可以借鉴：一是结构。结构和舞蹈本身的调度融合得好，传递和掩护都是身体可以完成的东西，构成了舞蹈本身融合度很高的结构，具有完整性。里面还有巧妙的闪回，有两个人的爱情，巧妙的融合在整个群舞中。二是留白空间，最后一个布满鲜血的手从人群中穿出来，这是我们需要学习的，任何表达要留一点想象的空间和回味的空间，如果一个人满身鲜血跑出来，留白的空间就没有了。三是节奏处理上把握得特别好，音乐一气呵成，没有明显的停顿和转换。转换全靠调度和人物的情绪、关系转变，在流动中很好地把握住了节奏。

难道现代舞就应该是压抑的、低沉的、灰色的？美国现代舞最压抑的东西是上世纪40年代的，那是因为第二次世界大战。上世纪60年代之后进入后现代舞时期，上世纪80年代末到现在，是后后现代舞。我们要做的，是把前人的东西学过来，融会贯通，有一点点小突破你就是英雄。国内很多做现代舞的年轻人以为现代舞就是要世界末日的感觉，这已经是50年前的事了，后后现代舞有很多阳光灿烂的、多元的作品。

我看了《心尘》之后很难受，也许编导就是要观众难受，体会找不到出路的感觉。做一个作品还是要有一定的高度，在一定程度上摆脱“小我”的情调宣泄。大凡在舞蹈史上流芳千古的作曲家、编舞家都是非常有社会责任感的，古往今来很多作品都是代表着人类共有的价值观和审美观。《本初》可能就是人之初，很简单，又加上一个很哲学的概念，似乎很深奥，结果什么也没说。跳纯舞，身体条件、能力、技术、形象，有一点瑕疵都不行。身体没有解放到那种程度，气息就不通。一定要把题材选好，主题定好，一定要想清楚你到底在干什么，你想干嘛，这是最重要的。不管什么舞，主题都没有搞清楚，等于就是无效传达。希望更多人参与到现代舞的创作和演出中，希望看到更多好的作品。

从本次展演来看，青年编导非常棒的登上了历史舞台，难能可贵的是他们的精神高度。《寻》所讲的拐卖儿童这个事非常真实。现实题材特别难做，孩子丢失这件事情本身也是非常难做的。我非常佩服编导的勇气，敢去碰触伤疤，敢去碰触人生当中非常极致痛苦的、无助的东西，这个勇气一定不可缺失。《寻》从结构上，从推进程度上还有很多欠缺，特别是妈妈的形象，很多丢失孩子的父母一辈子就是痛苦的。剧中妈妈的形象还是显得简单了一点。《鸡毛信》中的举手投降的动作，碰触了当时整个民族非常悲哀的状态。《鸡毛信》敢刺痛这个点，应该说是在中国舞蹈中第一个碰触这样的问题。

 《长恨》总体感觉还不够劲，所有艺术元素都没有集中在“长恨”两个字上。唐明皇的身份、情感、身体、动作是“长恨”这个词的要害，这样就碰触了一个自古以来爱江山还是爱美人的主题。杨贵妃以及群舞与“长恨”这个主题的关系也有点游离，长长的白绫和长恨的情感表达多少有一点不搭，还缺少一点力量。